La exposición reúne pinturas sobre distintos soportes, fotomontajes, collages de lienzo y papel plastificados, cajas de luz que son filmaciones de imágenes tratadas digitalmente, proyecciones de vídeo y diapositivas, un lugar web. A primera vista, llama la atención la variedad de medios puestos en juego para producir las piezas, pero uno sospecha que, para entender la razón de semejante mixtura, habría que conocer, además de la técnica material empleada en las obras, cual es el proceso simbólico que ha conducido a la construcción de las mismas.

Una curiosidad como ésta nos introduce de lleno en el terreno de la práctica colectiva del arte, donde se opera a partir de de propuestas materiales. Es decir: un colectivo trabaja sobre unas opciones pre-artísticas (que pueden ser un impulso o una emoción, pero que habitualmente son un dibujo que nos impresionaba de pequeños, una frase que dijo un borracho o un escritor sensato, un recorte de revista, un cuadro famoso...), que serán transformadas mediante el dispositivo colectivo en piezas concretas. Cada opción ha de ser evaluada según sus posibilidades materiales, simbólicas y comunitarias.

En el aspecto material, la cuestión se plantea en términos parecidos a éstos: ¿es adecuado este objeto para ser traducido al medio artístico, que es distinto del de la vida, donde a lo mejor funcionaba como elemento esencial de un sueño, de instrumento para una premonición, de objeto útil? En otras palabras, ¿merece la pena pintarlo, fotografiarlo, escanearlo y hacer de él una animación por ordenador? Por el lado simbólico, la pregunta sería: ¿se puede convertir este objeto cotidiano en un tema, de manera que cumpla los requisitos básicos de sugerir, expresar, comunicar algo perdurable bajo el signo artístico? Por último, en tanto que propuesta comunitaria, el equipo se interrogaría más o menos así: ¿puede este material ser tratado con las técnicas que hemos desarrollado en común? Si la respuesta es afirmativa, el material entra en la rueda del proceso artístico colectivo.

Tras este inciso, convendría volver a preguntarse por el material simbólico que emplea Libres Para Siempre en esta exposición. He aquí algunos de los motivos y títulos de las piezas que los tratan: la tecnología digital ("Tetris"), el autorretrato ("Chinos"), los efectos perceptivos ("Chirivitas"), el interior doméstico ("Los hombres pájaro"), un personaje fantástico ("El endodermo"), el lema ("Estoy agusanao") y algunos más. Pero sigue faltándonos la información que nos permita imaginar lo que vamos a ver en la galería, a partir del 14 de marzo.

Quizá la clave se encuentre en el tratamiento comunitario de los motivos. Pues bien, el equipo trata el material simbólico con intención evocadora (sugiere más que dice) y actitud afirmativa (sin ironía), mediante medios avanzados y otros casi obsoletos técnicamente, para provocar en el espectador el sentimiento nostálgico. Se trata de una nostalgia positiva y nada melancólica, que supone, más que la aceptación, la apuesta por nuestra sociedad tal y como es ahora mismo. Así la exposición se parece a un James Rosenquist digital que surgiera de un monitor gigante y tiene que ver con un Mike Kelley verdaderamente para niñas feministas. Vendría a decir, citando al escritor canadiense Douglas Coupland a propósito de las obras pop: "Ama la máquina que ha formateado el disquete que eres", no te dejes afligir "con pesadillas paranoicas de obsolescencia desprotegida". Sólo ha sido media década muy ajetreada.